Introducción
Al levantarse el telón de la noche de estreno de una nueva adaptación moderna de Hamlet de Shakespeare, el director observó con nerviosismo desde las alas. Aunque los actores dieron en el blanco y pronunciaron sus líneas a la perfección, algo no estaba bien. Las interpretaciones parecían rancias, la puesta en escena demasiado tradicional, el vestuario monótono. A pesar de meses de preparación, la producción ya parecía anticuada y sin inspiración.
Más tarde, mientras tomaba unas copas con el elenco, la directora lamentó que hubiera deseado haber corrido más riesgos creativos. Si tan solo hubiera tenido un presupuesto mayor para una escenografía vanguardista, proyecciones de vídeo y disfraces. Si tan solo el comité de selección de obras aprobara obras más atrevidas y contemporáneas. Si tan solo sus actores estuvieran entrenados en técnicas de interpretación experimentales. Tenía tantas ideas que nunca se concretaron debido a la limitaciones de trabajar en el teatro hoy en día.
Esta anécdota ilustra cómo las mentalidades limitantes y las restricciones prácticas pueden frenar la innovación y la creatividad en el mundo del teatro. Si bien los directores, dramaturgos y dramaturgos pueden soñar en grande, sus visiones a menudo se ven obstaculizadas por la resistencia al cambio, los presupuestos ajustados y las perspectivas limitadas de la industria.
Mentalidad en contra de los nuevos enfoques
Muchos profesionales del teatro de hoy se muestran reacios a probar nuevos enfoques y métodos debido a la tradición y al miedo al cambio. Existe la mentalidad generalizada de que las formas «probadas y verdaderas» de producir teatro son las mejores, incluso si limitan la innovación y el crecimiento de la audiencia.
Esta adhesión a la tradición se debe a la resistencia a alterar las prácticas que han funcionado en el pasado. Sin embargo, impide explorar nuevas técnicas que puedan mejorar la experiencia teatral. A menudo hay rechazo cuando se hacen sugerencias para actualizar los enfoques, incorporar tecnología o realizar cambios estructurales en las producciones o las compañías de teatro.
Además, el miedo al cambio lleva a desestimar ideas innovadoras sin tener plenamente en cuenta su valor potencial. Es posible que los profesionales del teatro no vean los beneficios de incorporar nuevas tecnologías, refrescar la puesta en escena o ampliar el público objetivo. Es reconfortante continuar como siempre se han hecho las cosas en vez de aventurarse en territorio desconocido.
Superar estas barreras mentales es clave para permitir el progreso y la evolución en el mundo del teatro. La tradición tiene su lugar, pero no debe limitar el intento de cosas nuevas que puedan mejorar las producciones, atraer al público moderno y garantizar el futuro de las artes escénicas.
Resistencia a las nuevas tecnologías
Muchos profesionales del teatro se resisten a adoptando nuevas tecnologías en sus producciones. Esto puede manifestarse en una dependencia continua de herramientas y procesos anticuados. Por ejemplo, algunos teatros siguen utilizando sistemas anticuados de iluminación y sonido que limitan las posibilidades creativas de las producciones.
Además, muchas compañías de teatro se aferran a técnicas tradicionales de escenografía y construcción en lugar de utilizar tecnología moderna como la fabricación digital, la impresión 3D y la automatización escénica computarizada. Esta resistencia a las tecnologías escénicas modernas restringe el alcance de lo que es posible para los cambios de escenario y los efectos especiales.
Los enfoques anticuados también se extienden a los procesos entre bastidores. Algunas organizaciones teatrales se aferran a sistemas en papel para la venta de entradas, la gestión de donantes y los presupuestos de los espectáculos, aun cuando las opciones digitales podrían simplificar estas tareas. Esta reticencia a modernizar las operaciones comerciales del teatro refleja la resistencia a la nueva tecnología desde el punto de vista creativo.
En general, aferrarse a las viejas formas de hacer las cosas restringe la innovación y la creatividad en muchas facetas de las producciones teatrales. Un cambio en la mentalidad y la voluntad de adoptar nuevas herramientas podrían permitir a los profesionales del teatro mejorar sus producciones y operaciones.
Falta de innovación
Hoy en día, muchos profesionales del teatro dependen demasiado de la producción de obras conocidas y comprobadas en lugar de desarrollar material nuevo e innovador. Como se señaló en un artículo sobre las tendencias emergentes en el teatro, a menudo hay resistencia a la producción de nuevas obras, y la mayoría de los principales teatros prefieren la reposición de títulos conocidos.
Esta falta de innovación lleva a los cines a hacer las mismas producciones agotadas una y otra vez. En lugar de arriesgarse con obras y musicales nuevos y emocionantes, muchas compañías de teatro van a lo seguro poniendo en escena reposiciones y títulos conocidos del canon teatral. Si bien la producción de obras clásicas tiene sus méritos, confiar demasiado en ello impide que la forma de arte avance. Como se argumenta en otro artículo, los teatros deben tratar de encontrar un equilibrio entre honrar el pasado y desarrollar nuevas obras originales.
Parte de este estancamiento se debe a la renuencia a adoptar la innovación y el cambio dentro de la industria. Los profesionales del teatro de hoy necesitan ir más allá de sus zonas de confort y limitaciones buscando y desarrollando activamente nuevas experiencias teatrales innovadoras. Esto requerirá asumir riesgos, pero tiene el potencial de revitalizar e impulsar la forma de arte.
Limitaciones presupuestarias
Muchas organizaciones teatrales operan con presupuestos ajustados que limitan su capacidad de asumir riesgos creativos o experimentar con nuevos enfoques. Según un artículo publicado en Playbill, «Cómo un teatro de bajo presupuesto puede seguir apostando por la alta tecnología», la mayoría de los teatros sin fines de lucro tienen recursos limitados para invertir en tecnología e innovación. Esto los obliga a dedicarse a producciones probadas y verdaderas que saben que venderán entradas en lugar de desarrollar nuevas obras que podrían fracasar. Como afirma el artículo sobre GIArts, «Innovación en el teatro», los financiadores suelen ser más propensos a donar a producciones clásicas que a obras experimentales, lo que limita aún más la capacidad del teatro de probar cosas nuevas. Con un presupuesto ajustado, muchas organizaciones simplemente no pueden darse el lujo de correr riesgos, incluso si eso significa que su forma de arte se estanca. Esta limitación financiera dificulta significativamente la capacidad del mundo del teatro para superar los límites y evolucionar.
Perspectivas estrechas
Las organizaciones teatrales suelen sufrir una falta de diversidad y perspectivas limitadas entre el personal y los equipos creativos. Históricamente, muchos teatros han tenido un liderazgo predominantemente masculino y equipos creativos homogéneos. Esta falta de diversidad limita la creatividad y la innovación, ya que los equipos homogéneos tienden a pensar de la misma manera. Los estudios muestran que los equipos diversos suelen ser más innovadores y exitosos que los grupos homogéneos.
Al no abrazar la diversidad y reclutar activamente a personas de grupos subrepresentados, los teatros limitan su gama de historias, perspectivas y enfoques creativos. El liderazgo y los equipos compuestos por personas con antecedentes y experiencias similares pueden limitar inconscientemente el alcance de la programación y no tener en cuenta las opciones artísticas no tradicionales. La expansión de la diversidad abre nuevas posibilidades narrativas, estéticas y creativas.
Por ejemplo, el programa Broadway Bridges expone a los estudiantes de la ciudad de Nueva York al teatro y ayuda a crear las bases para futuros profesionales del teatro diversos [https://worth.com/post-pandemic-broadway-innovation-diversity/]. Las organizaciones que valoran y priorizan la diversidad están mejor preparadas para atraer talento, asumir riesgos creativos y captar la atención del público actual.
Desarrollo de la audiencia
Muchas organizaciones teatrales dependen demasiado de su base de audiencia leal actual y luchan por llegar a audiencias nuevas o más jóvenes. Esto puede crear un efecto de cámara de eco, en el que la programación apela a un grupo demográfico reducido y no logra atraer perspectivas diversas. Si bien la lealtad es valiosa, la dependencia excesiva de una base cada vez menor de clientes de edad avanzada no es un modelo sostenible para el futuro.
Algunas limitaciones en el desarrollo de la audiencia incluyen:
- No utilizar los datos para comprender las motivaciones y barreras de la audiencia
- Centrarse demasiado en las tácticas de marketing sin una estrategia global
- No hacer de la investigación y el crecimiento de la audiencia una prioridad organizacional
- Falta de visión, innovación y experimentación en la programación y la divulgación
- Dificultad para cerrar la brecha entre las formas de arte tradicionales y la evolución de los intereses del público
Para mantenerse vital como forma de arte, el teatro debe encontrar formas creativas de ampliar su alcance más allá de la base leal existente. Esto requiere ver el desarrollo de la audiencia como un proceso continuo de comprensión, segmentación, acceso y retención de nuevas audiencias. Con una estrategia intencionada y un compromiso a largo plazo, los cines pueden conseguir nuevos mecenas y defensores para el futuro.
Entrenamiento limitado
Muchos profesionales del teatro se enfrentan a la falta de oportunidades de desarrollo para ampliar sus habilidades o aprender nuevas técnicas. Los enfoques educativos anticuados de algunos programas de formación no proporcionan a los artistas emergentes la versatilidad necesaria para el teatro del siglo XXI. Los planes de estudio rígidos que se centran únicamente en los métodos clásicos o tradicionales dejan menos espacio para la experimentación o el aprendizaje práctico con las nuevas tecnologías. Esto puede perpetuar una mentalidad limitada y dificultar que los creadores de teatro se mantengan al día con las innovaciones que podrían mejorar sus producciones. Proporcionar una formación más dinámica y multidisciplinaria es clave para fomentar la creatividad y empoderar a la próxima generación de profesionales del teatro. Con una mayor apertura a las formas y formatos en evolución, los artistas pueden obtener las herramientas para llevar al escenario visiones frescas y estimulantes.
Resistencia al cambio
El cambio siempre es difícil, pero especialmente para las organizaciones establecidas, como los teatros. A menudo hay una inercia y una resistencia significativas cuando se trata de cambiar mentalidades que han estado arraigadas durante mucho tiempo (Schreyögg 2001). Muchos profesionales del teatro se aferran a las formas tradicionales de operar y dudan en adoptar nuevos enfoques o tecnologías que puedan mejorar las operaciones, llegar a nuevos públicos e insuflar nueva vida a las producciones.
Esta resistencia proviene de la larga historia y tradición del teatro. Puede darse la impresión de que las «viejas formas» son las «formas correctas» y que desviarse de la tradición podría socavar la forma de arte. Además, el cambio requiere esfuerzo y plantea riesgos, que pueden resultar abrumadores. Es más cómodo para los profesionales seguir trabajando como siempre lo han hecho en lugar de aprender nuevas habilidades y flujos de trabajo.
Superar estos desafíos requiere un liderazgo fuerte y visionario que pueda comunicar los beneficios de aceptar el cambio y brindar apoyo durante el período de transición. Pero, fundamentalmente, las perspectivas y los hábitos profundamente arraigados presentes en las organizaciones teatrales establecidas hacen que el cambio significativo sea una ardua batalla.
Conclusión
Los profesionales del teatro de hoy se enfrentan a limitaciones que impiden que la forma de arte alcance su máximo potencial. Muchos se aferran a los enfoques tradicionales y se resisten a integrar nuevas tecnologías e ideas innovadoras. Esta mentalidad cerrada se debe al miedo al cambio, a las restricciones presupuestarias y a las perspectivas estrechas.
Sin embargo, el arte más impactante desafía las convenciones y traspasa los límites. El teatro siempre se ha adaptado a los tiempos, evolucionando desde los anfiteatros de la antigua Grecia hasta los escenarios isabelinos y los musicales modernos de Broadway. En lugar de limitar la creatividad, los profesionales deben aceptar el cambio y ampliar su forma de pensar.
Las compañías de teatro deben invertir en formación, colaborar en todas las disciplinas y buscar activamente nuevas voces. Y lo que es más importante, deben escuchar al público e interactuar con él de nuevas maneras. El objetivo debe ser crear experiencias transformadoras que reflejen nuestro mundo complejo y diverso.
Siempre hay riesgos al cambiar las prácticas, pero el mayor riesgo es quedar obsoleto. El teatro debe seguir reinventándose. Las posibles recompensas de revitalizar esta forma de arte son inmensas. Los profesionales del teatro de todos los niveles deben ser audaces, derribar barreras y no dejar nunca de innovar. El escenario está preparado para aquellos que están dispuestos a superar los límites e insuflar nueva vida a un arte antiguo. Deje que se levante el telón de un teatro reinventado para el siglo XXI y más allá.
